Pinturas Infectadas

La serie «Pinturas Infectadas» retrata la saturación y la contaminación del paisaje contemporáneo mediante una técnica híbrida que fusiona pintura con elementos residuales del consumo. Utilizo materiales como envases, tapas plásticas y papel impreso —recuperado de catálogos y revistas— para producir superficies erosionadas, intervenidas y transformadas. Estas texturas evocan síntomas cutáneos e infecciones, operando como metáfora de la degradación ambiental (la idea de Gaia enferma).

La pintura tradicional colisiona con desechos industriales y publicitarios —incrustados, adheridos, hilvanados o cosidos— generando una tensión entre la tradición académica y la huella material del sistema de consumo industrializado.

Las obras se componen por estratos superpuestos que distorsionan la imagen pictórica. Este enfoque establece un paralelismo entre la piel del cuerpo, la superficie del territorio y la propia pintura: lo noble y lo natural aparece infectado por elementos invasores. Las piezas funcionan como retratos críticos del Antropoceno, evidenciando la cicatriz humana en nuestra época.

El proceso evolucionó desde intervenciones iniciales —con materiales plásticos y residuos publicitarios sobre soportes tradicionales— hacia la incorporación de soportes precontaminados: PVC industrial, lonas publicitarias descartadas y papel reciclado. Estos vestigios del consumo aportan una materialidad contradictoria: simultáneamente frágil y resistente, efímera y persistente, según su procedencia en el ecosistema del desperdicio.

La elección de estos materiales no es arbitraria. El PVC resiste pero no absorbe; las lonas conservan huellas de uso previo; los papeles impresos aportan texturas y patrones cargados de referencias contemporáneas.

El corpus se divide en dos líneas: 1) Intervenciones sobre soportes tradicionales (lienzo/tablero), que exploran cómo los residuos transforman la pintura académica; y 2) Soportes blandos, en los que el soporte ya es residuo, y su materialidad determina la solución formal. Esta dualidad evidencia cómo lo pictórico muta al enfrentarse con materiales ajenos a su tradición.

Intervenciones agrupan acciones artísticas sobre obras de otros autores, generando tensión entre el valor original y el daño simbólico y real mediante raspados, perforaciones y collages con desechos publicitarios. Estas piezas reproducen la agresión ambiental, estableciendo un vínculo entre la nobleza de la naturaleza y la tradición artística.

Este ejercicio de corrupción convierte la pintura en mercancía alterada, desplazando el foco del acto creativo al objeto dañado y representando el entorno contemporáneo. La confrontación de materiales industriales y elementos naturales retoma la fórmula conceptual de la serie, inspirada en enfermedades infecciosas y síntomas cutáneos.

Al dañar deliberadamente estas obras (2008), anticipo y dialogo con movimientos como Just Stop Oil (fundado en 2022). La intervención de una obra maestra —símbolo de lo sublime, lo valioso y lo real— visibiliza la violencia ambiental y subraya la urgencia de una conciencia ecológica, equiparando el daño al arte con el daño a Gaia.

Óleos enmarcados en madera (65 × 85 cm c/u), intervenidos con esténcil de esmalte, tajos y tapas plásticas.

Corrupción de obras preexistentes: la pintura se convierte en mercancía alterada. El contraste entre materiales industriales y naturaleza retoma la fórmula conceptual de la serie.

En la pieza n° 1, las tapas plásticas remiten a brotes de peste o acné; en la n° 2, la palabra ARTE se estenciló, evocando el graffiti y su invasión cuantitativa: acumulación, iteración y saturación del espacio.

Obras originales que combinan materiales industriales y residuos publicitarios con técnicas de óleo y acrílico. Este contraste entre la pintura clásica y la saturación visual contemporánea explora el impacto del consumismo en la percepción cotidiana y refleja el estado actual del paisaje.

Esta serie traslada la violencia ejercida contra el paisaje natural a lienzos académicos rescatados de mi etapa en el taller de pintura de Gonzalo Díaz (DAV). Corrompo deliberadamente óleo y acrílico con fragmentos de afiches, vinilos, plásticos y materiales industriales, creando capas que simulan heridas abiertas e invaden la pintura clásica.

Empleo soportes híbridos —telas, lonas publicitarias y paneles de PVC— para acentuar la antipatía entre materiales y subrayar que la crisis ecológica no distingue jerarquías. El choque entre lo sublime de la tradición pictórica y la agresividad industrial convierte cada obra en un pequeño ecocidio.

Invirtiendo el gesto de Just Stop Oil, en lugar de atacar obras ajenas, infecto mi propia producción.

"Pinturas infectadas" no son cuadros, sino síntomas de un colapso que funde naturaleza y cultura, arte y mercancía, lo sagrado y lo desechable. Un llamado a reconocer la huella de un sistema que devora toda pureza.

Serie de 6 óleos sobre paneles de madera tratados con capas de papel adherido (residuos publicitarios que aportan información y, al combinarse con la pintura, generan una estética de peste) (55,5 × 85,5 cm c/u).

Esta serie se inspira en la tarea de documentar la presencia publicitaria en los márgenes de las carreteras chilenas e interrumpe el paisaje periódicamente: el soporte integra capas de revistas, catálogos y periódicos, formando una piel bajo los óleos, en donde se filtran las iconografías comerciales, sugiriendo que la naturaleza está interrumpida por los objetos residuo del consumo.

La serie concluye con una bandera nacional intervenida con residuos gráficos, síntesis cruda de un territorio colonizado por la publicidad. Este método de soporte contaminado definió mis obras posteriores: el material de prensa publicitaria se vuelve un recurso esencial para retratar nuestra época, y el paisaje solo adquiere sentido al mostrar su propia infección.

Díptico de dos paneles de madera (130 × 120 cm c/u) con óleo sobre papel de periódico adherido. Partiendo de una fotografía digital de mi rostro, dividí verticalmente los hemisferios y reflejé cada uno horizontalmente para crear dos retratos asimétricos.

El panel izquierdo presenta pinceladas libres y un acabado inacabado; el derecho, un tratamiento detallado y refinado. El soporte, preparado como en la serie Paisajes de carretera, deja ver fragmentos tipográficos entre las capas de pintura, produciendo el efecto de “peste” que caracteriza toda la serie.

Serie de banderas infectadas, como síntesis del territorio. Óleo sobre papel de periódico adherido a paneles de cartón y madera.

El soporte, preparado como en la serie Paisajes de carretera, deja entrever fragmentos tipográficos entre las capas de pintura, produciendo el efecto de "peste" que caracteriza toda la serie.

La serie de soportes blandos representa una solución técnica que une economía de recursos y potencia conceptual. Sustituyo los bastidores tradicionales por telas sintéticas, lonas y papel publicitario recuperado, que posteriormente son sellados y preparados con cola o esmaltes industriales para asegurar su resistencia. Esta maleabilidad material permite enrollar y doblar las piezas, facilitando su traslado, montaje y almacenaje. Esta característica posteriormente me permitirá evidenciar cruces entre la lógica del cartel urbano, el graffiti, la publicidad, la pintura y el street art al ser instaladas en espacios callejeros.

El uso de papel de prensa y catálogos gratuitos refuerza la metáfora del contagio y su elección material ya ha sido explicada anteriormente: sus impresiones comerciales simbolizan la saturación visual y la contaminación de la sociedad contemporánea, las cuales luego son utilizadas como soporte de mis pinturas. La pintura es aplicada de tal manera que puedo incorporar los elementos impresos en los soportes de papel publicitario. Me interesa crear la interrupción en la apreciación de lo representado, la peste de la saturación. Cada superficie "infectada" actúa como un registro de la peste mediática, al mismo tiempo práctica y poética, que articula forma, contenido y crítica ecológica.

Las obras en soporte blando se agrupan en tres categorías:

• 1. Membranas
• 2. Módulos
• 3. Unidades

Las pinturas sobre soportes blandos clasificadas como Membranas consisten en tapices flexibles elaborados mediante collage de papel prensa, revistas y carteles urbanos. A través de capas sucesivas de cola fría y, ocasionalmente, una imprimación de látex blanco, se genera una superficie resistente que conserva fragmentos originales, integrando y resaltando la saturación visual del material inicial. Sobre esta membrana se aplican técnicas mixtas, como esmaltes, óleos, acrílicos y tintas, evocando el concepto de "peste" visual que caracteriza esta serie.

Su flexibilidad permite un fácil plegado, transporte y montaje, favoreciendo la intervención en espacios públicos y superando las limitaciones del formato tradicional de caballete. Al tratarse de un material altamente adaptable, puede realizarse en fragmentos o etapas sucesivas, lo que reduce la necesidad de contar con un taller amplio. Esta cualidad facilita su instalación directa en contextos urbanos, dialogando con los carteles públicos en deterioro. La obra "Mapamundi" ejemplifica este ciclo: desde su colocación inicial hasta su desgaste natural y eventual retiro, profundizando así en el discurso sobre la saturación mediática y la contaminación visual contemporánea.

Las membranas amplían las posibilidades formales y conceptuales al permitir la creación de obras de gran formato utilizando materiales reciclados. Sin embargo, el manejo de piezas únicas de gran dimensión puede resultar complejo, lo que dio origen al desarrollo de otras categorías dentro de los soportes blandos: los Módulos y, posteriormente, la Unidad, ofreciendo formatos más prácticos y accesibles.

Verde es la obra que inaugura esta serie de soportes blandos tipo membrana. Está elaborada con esmalte óleo sobre papel encolado, recuperado de residuos de revistas y catálogos couché, con dimensiones aproximadas de 130 x 140 cm. Es la primera pintura que realicé sobre un soporte flexible, similar a tapices hechos con collages de papel prensa, revistas y carteles urbanos. Fue concebida como una alternativa para ampliar los formatos convencionales sin elevar los costos de producción. Este aumento de escala permitió su instalación en espacios públicos de mi localidad, en Santiago de Chile. La obra explora, desde una abstracción deliberada, la saturación visual, centrando la atención en el color —de ahí su nombre. Me interesa que se entienda como pintura, referida esencialmente por el color, que a su vez activa una memoria: ese verde opaco. A todo esto se suma una reflexión sobre el exceso de estímulos visuales en nuestro entorno cotidiano.

Mapamundi es una obra realizada con esmalte sintético y óleo sobre papel encolado, reciclado de revistas y catálogos couché. Mide aproximadamente 400 x 130 cm. Se trata de una pintura en soporte blando, semejante a tapices flexibles compuestos por collages de papel prensa, revistas y carteles urbanos, concebida específicamente para su instalación en espacios públicos de La Florida, en Santiago de Chile. La superficie fue intervenida con técnicas mixtas—esmaltes, óleos, acrílicos y tintas—para evocar el concepto de mapamundi, ampliando una línea de exploración pictórica que va del cuerpo y el paisaje hacia las banderas y los mapas, en busca de una abstracción territorial que refleje el fenómeno global de la saturación visual.

La obra reproduce deliberadamente el ciclo de vida del cartel publicitario urbano: comienza como papel instalado en el muro, sufre el desgaste natural de la intemperie y culmina como residuo. Para ello utilicé engrudo, iniciando intencionalmente su deterioro. Posteriormente realicé una acción performática limpiando el muro disfrazado de trabajador urbano—con casco y guantes—transformando la obra en un acto simbólico de borrado, en clara alusión al Erased de Kooning Drawing de Rauschenberg. Así, esta instalación incorpora el soporte blando como vehículo conceptual que permite el tránsito de la pintura hacia la intervención urbana y la performance, amplificando su crítica a la saturación y contaminación visual contemporáneas.

Mapamundi es también una pieza de 410 x 130 cm, realizada con esmalte sintético y óleo sobre papel reciclado. Esta obra surge de una investigación interdisciplinaria que articula elementos del grafiti, la pintura híbrida, el cartelismo y la gráfica urbana. El uso de soportes blandos responde a una estrategia de expansión del formato tradicional, en diálogo con las gigantografías publicitarias que dominan el espacio urbano.

Su gran escala facilita su instalación en el espacio público y establece vínculos conceptuales con el muralismo, el grafiti y otras prácticas de arte callejero. A nivel técnico, la obra genera contrastes expresivos mediante la aplicación de materiales opacos y terrosos frente a brillos azulados, evocando simbólicamente tierra y mar. Estos efectos buscan representar una totalidad geográfica abstracta, contaminada y saturada.

Hoy, Mapamundi ya no existe como objeto físico, lo que refuerza su carácter efímero y mi visión sobre la temporalidad del arte. Esta desaparición se convierte en parte de su discurso, señalando la obsolescencia inherente a los objetos culturales y evidenciando la crítica al exceso de estímulos visuales en el mundo contemporáneo.

Módulos: composiciones expansibles creadas a partir de páginas sueltas de catálogos, revistas o periódicos, ensambladas en estructuras que evocan el impacto de la publicidad urbana y su sobresaturación visual. Cada módulo funciona de manera independiente, pero al agruparse configuran una imagen monumental que iguala o supera las dimensiones de los anuncios en el paisaje urbano.

Esta organización modular surge como evolución de mi exploración con papel de prensa. Tras enfrentar la dificultad de manejar grandes membranas —grandes piezas continuas de una sola unidad—, descubrí en el diseño modular una solución eficaz. Cada módulo se concibe como un fragmento autónomo que, en conjunto, construye una obra de gran formato.

Con este método obtengo varias ventajas:

• Flexibilidad de formato: permite superar restricciones espaciales y logísticas.
• Practicidad: facilita el montaje, traslado y almacenaje al poder plegar las piezas.
• Adaptabilidad: posibilita ajustar dimensiones y configuraciones, ideal para instalaciones site-specific.
• Experimentación compositiva: ofrece la libertad de ensayar distintas disposiciones antes de la versión definitiva.

Conceptualmente, estos módulos funcionan como metáfora de la fragmentación perceptual en la era digital. Cada fragmento conserva vestigios de su contenido original, generando un juego entre lo micro y lo macro. Esto invita a una doble lectura: la observación detallada de cada unidad y la apreciación de la imagen global desde la distancia.

En cada página decido conscientemente dónde intervenir y dónde respetar la impronta original del material impreso, dando forma a la estética distintiva de La Peste que caracteriza esta serie.

Al igual que las membranas, la ligereza y modularidad de estas obras amplían sus posibilidades de interacción con el espacio público. Instaladas en muros urbanos, evocan carteles publicitarios de gran formato y establecen un diálogo entre arte, grafiti y publicidad, desafiando las convenciones expositivas tradicionales.

Cordillera, 2008. Óleo sobre 84 páginas de la revista Sábado (suplemento de El Mercurio), dispuestas ortogonalmente en 12 columnas de 7 páginas cada una. Dimensiones: 195 × 510 cm.

Cordillera constituye la primera obra pictórica cuyo soporte se compone exclusivamente de páginas homogéneas. Cada unidad funciona simultáneamente como módulo autónomo y fragmento de una imagen de mayor escala, sustituyendo el pliegue característico de obras anteriores por una fragmentación modular que permite ampliar dimensiones sin las limitaciones del espacio de taller. Esta estructura facilita, además, el plegado de la pintura al tamaño de los módulos individuales, optimizando su montaje, traslado y conservación.

La composición parte de un registro fotográfico de la vista este desde mi taller, reencuadrado estratégicamente para superponer elementos publicitarios frente al macizo cordillerano. Este motivo retoma la tensión dialéctica entre paisaje, publicidad y contaminación explorada desde mis primeras series, confrontando lo natural con lo artificial en un diálogo visual contemporáneo.

A diferencia de la estética de "peste" característica de trabajos previos —donde coexistían dos lógicas espaciales diferenciadas—, en esta pieza predomina un tratamiento realista del espacio, buscando establecer un vínculo de verosimilitud con la experiencia perceptiva. Se preservó deliberadamente la superficie impresa en las zonas publicitarias, manteniendo su impronta original como elemento conceptual.

En su fase inicial, la pintura fue instalada en diversos muros para ensayos de registro (condiciones lumínicas, encuadre) y debido a circunstancias contextuales (confrontaciones vecinales, características estructurales del soporte mural). La utilización de cinta de enmascarar de doble contacto permitió su adhesión temporal y posterior remoción sin deterioro. Un año después, con la colaboración técnica de Javiera Asenjo, la obra fue adherida mediante engrudo a un muro público, asumiendo plenamente su condición de intervención urbana efímera. Esta acción —que integra pintura, publicidad, práctica gráfica urbana y performance— sacrifica la materialidad objetual en favor de una expansión de los procesos conceptuales, experiencia metodológica que se replicaría posteriormente en piezas como Mapamundi.

El emplazamiento seleccionado, un muro de ladrillo fiscal en estado de deterioro avanzado, se sitúa en calle Virginia (sin intervención vial), en proximidad a la estación San Joaquín del sistema metropolitano de transporte, en su intersección con Avenida Vicuña Mackenna sector poniente. Adyacente a zonas de acumulación periódica de residuos, la pieza estableció un diálogo contextual con un entorno urbano en proceso de transformación continua.

El formato de gran escala enfatiza la conexión con prácticas de intervención urbana —grafiti, expresión mural y comunicación publicitaria—, mientras que la aproximación técnica explora contrastes cromáticos y texturales mediante la combinación de esmaltes sintéticos, óleos, acrílicos y tintas gráficas. La dualidad material (lo opaco y terroso contrapuesto a lo brillante y azulado) genera una evocación simbólica de los elementos primordiales: tierra y agua.

Cordillera ha dejado de existir como entidad física, evidenciando su naturaleza transitoria y mi investigación en torno a la temporalidad en las prácticas artísticas contemporáneas. A través de esta condición efímera, la obra propone una abstracción territorial integral y una reflexión crítica sobre los fenómenos de saturación visual y contaminación característicos de nuestra contemporaneidad.

Gran paisaje n°1, 2010.
Óleo sobre 140 páginas de catálogo (supermercado Jumbo), dispuestas ortogonalmente en 14 columnas de 10 páginas cada una. Dimensiones: 400 × 750 cm.

La obra emplea por primera vez formatos monumentales equivalentes a la publicidad urbana. La técnica desarrolla investigaciones previas sobre soportes fragmentados iniciadas en series anteriores.

La composición aborda la mediación publicitaria en el paisaje, aplicando la técnica de "peste" explorada en Cordillera: la pintura se limita exclusivamente a los intersticios entre los elementos promocionales del catálogo.

La imagen base proviene de fotografías tomadas desde un vehículo en movimiento, mismas que originaron los Estudios para paisaje de carretera. La diferencia principal radica en el cambio de soporte (de madera a papel), permitiendo mayor fragmentación y reducción de peso.

Las dimensiones cumplen dos propósitos técnicos: replicar el formato de vallas publicitarias urbanas y establecer referencias históricas con el tratamiento monumental.

Gran paisaje n°2, 2014. Acrílico sobre 140 páginas de periódicos La Tercera, dispuestas ortogonalmente en 14 columnas de 10 páginas cada una. Dimensiones: 400 × 750 cm.

Comparte formato con su “hermana” Gran paisaje n°1, pero no es gemela: esta vez el soporte proviene de secciones de periódico del mismo tamaño que aquellos suplementos de Jumbo.

El motivo es una vista desde mi taller hacia la cordillera, con los tejados de los vecinos en primer plano. Me fascina cómo la luz y la atmósfera cambian día a día, aportando variaciones constantes al paisaje.

Retomo la estética de “peste” al pintar únicamente en los intersticios que quedan entre las imágenes impresas. Así, los fragmentos sin intervención funcionan como imperfecciones intencionales que distorsionan y suspenden la lectura habitual de la escena.

Al asumir dimensiones publicitarias –4 m de alto por 7,5 m de ancho–, la obra se sitúa en el espacio urbano y dialoga con el entorno de gigantografías y carteles callejeros.

Gran paisaje n°2 propone, a través de su gran escala y su proceso fragmentario, una reflexión sobre la percepción y la saturación visual en el paisaje contemporáneo.

Paisaje Urbano, 2010.
Óleo sobre 25 páginas de periódico (La Tercera), dispuestas ortogonalmente en 5 columnas de 5 páginas cada una. Dimensiones: 210 × 290 cm.

La obra sintetiza técnicas desarrolladas en Cordillera y Gran paisaje de carretera: mantiene intactas las zonas publicitarias del soporte y aplica la estética de "peste" mediante intersticios no pintados entre los recortes periodísticos.

El trabajo desplaza su enfoque al entorno urbano, representando espacios ya saturados de publicidad. Esta elección temática acentúa la condición de sobresaturación visual característica del paisaje contemporáneo.

Unidades: piezas individuales elaboradas sobre páginas recicladas de catálogos o revistas, manteniendo su formato original. Cada unidad funciona como un microcosmos crítico, contraponiendo el mensaje comercial a la intervención pictórica.

En esta serie, cada obra utiliza una sola página extraída del material publicitario, recontextualizada para generar una tensión entre su propósito original y su nueva función como obra de arte crítica. Este enfoque preserva la integridad física del soporte y lo transforma en un vehículo de reflexión.

La elección de trabajar con formato reducido responde a mi búsqueda de soportes efectivos, livianos y sintéticos. Cada página-unidad se convierte en un fragmento autónomo de información comercial que, a través de mi intervención estratégica, subvierte la intención original del mensaje y crea una yuxtaposición entre lo superficial y lo profundo.

Exhibidas enmarcadas tras vidrio y paspartú, estas piezas dialogan con las artes gráficas y ofrecen una experiencia íntima: invitan al espectador a una contemplación cercana y personal, estableciendo una conexión directa con la obra.

Mi intervención es meticulosa: selecciono cuidadosamente las áreas a intervenir y las que conservo intactas, configurando un complejo diálogo visual entre el soporte impreso y mi narrativa pictórica. Cada unidad puede existir de forma independiente o integrarse en instalaciones mayores, ampliando las posibilidades de montaje y lectura.

Con este trabajo elevo el material publicitario desechable a la categoría de arte reflexivo, invitando al público a reconsiderar su relación con los objetos cotidianos y la omnipresencia de la publicidad.

Las unidades se organizan en tres series principales:

• Retratos (2019–): rostros intervenidos por la “peste publicitaria” impresa en el soporte.
• Bodegones (2024–): productos cotidianos reinterpretados y “infectados” mediante omisiones selectivas de pintura.
• Paisajes (2019–): escenas naturales tratadas con la estética de la “peste”, resaltando la saturación visual.